jueves, 19 de diciembre de 2013

Archivo Bolaño (1977-2003) en el Centro Cultural Recoleta

Roberto Bolaño 


(Buenos Aires)

En las salas J y C del Centro Cultural Recoleta se exhibe la muestra Archivo Bolaño (1977-2003) dedicada al escritor chileno Roberto Bolaño.
 La muestra está compuesta por el sorprendente legado del escritor Roberto Bolaño autor de Estrella distante y Los detectives salvajes entre otras novelas : cuadernos, papeles personales, objetos (su máquina de escribir, su computadora), dibujos y fotografías. Son cientos y cientos de originales escritos a mano, donde se observa el minucioso trabajo de creación del autor chileno. Están los manuscritos de muchos de sus cuentos y novelas, y están también los esquemas y dibujos a través de los que proyectaba las tramas de sus historias e iba bosquejando a sus personajes.
Todos estos documentos, que se exhiben al público por primera vez fuera de Barcelona, están acompañados de primeras ediciones de sus obras, de los originales de las revistas literarias que el escritor editó en su juventud, de videos y fotografías hasta ahora desconocidas y difundidas ahora gentilmente por su viuda y heredera, Carolina López.



Roberto Bolaño, considerado el último gran escritor latinoamericano, murió hace diez años en Barcelona. Como un homenaje a su figura y sobre todo a su influyente obra, que desde entonces no ha dejado de crecer y de cosechar lectores en todo el mundo, el Centro Cultural Recoleta se convierte en la primera institución que realiza la exhibición “Archivo Bolaño (1977-2003)”, inaugurada hace pocos meses en la ciudad de Barcelona, y que girará posteriormente por ciudades como Madrid y Nueva York.
Se trata de una muestra sorprendente, que cautivará a los miles de fanáticos de Bolaño, y que servirá también para descubrir el universo creativo y la intimidad del autor de 2666 a los lectores que aún no se han sumergido en su obra.


Horarios de lunes a viernes de 13 a 20. Sábados, domingos y feriados de 11 a 20
Entrada libre y gratuita
Cierre domingo 16 de febrero
Salas J y C

miércoles, 20 de noviembre de 2013

Vinicius ...Saravá! en la sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta

Vinícius de Moraes y María Creuza - Punta del Este (1976-77)


Toquinho, Marilia Medalha y Vinícius de Moraes



(Buenos Aires)

Una exposición homenaje en el centenario del poeta y compositor brasileño Vinícius de Moraes se presentó hoy en la Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta, sobre una idea de Marta Rodríguez Santamaría y concepto y dirección artística de Renata Schussheim. Estará abierta hasta el 16 de febrero de 2014.
La muestra está integrada por instalaciones y fotografías que recrean la vida de Vinícius de Moraes, también hay libros, muchos editados por De la Flor  y cartas. En las fotografías hay muchas escenas de Vinícius rodeado de amigos y artistas argentinos como Astor Piazzolla, Horacio Ferrer, Chico Novarro, el editor Daniel Divinsky, Piri Lugones, Domingo Cura, Augusto Bonardo; Carlos Perciavale; con María Creuza y Toquinho en La Fusa, Buenos Aires, también con Enrique "Mono" Villegas. En otras fotografías se lo puede ver con Toquinho y Chico Buarque, con Tom Jobin, Dorival Caymmi, Oscar Castro Neves y el cuarteto Em Cy; con Renata Schussheim y Tom Jobin. Las imágenes se sitúan en distintos lugares de esta ciudad como el Teatro Ópera, en Canal 11, la casa del folklorista Eduardo Lagos, en  La Fusa. Y también en Brasil, en Bahía con Toquinho y Marilia Medalha; en San Pablo; Río de Janeiro; en México; Punta del Este;  en Milán con Marta Rodríguez Santamaría rodeados de palomas en una plaza, imagen que dio origen a una gigantografía que extiende las imágenes de los pájaros hacia las paredes de la sala Cronopios. También se puede ver a Vinícius con otras figuras notables como  Pelé, con Orson Wells, Pablo Neruda entre otros.
En la muestra, en una de las salas se puede ver una proyección de una plaza donde las olas del mar se acercan y se alejan, sin ninguna presencia humana.

"...Fue Vinícius quien supo conjugar la tradición local con la fuerza renovadora de la modernidad. Fue él quien se empapó sin sobresaltos de la literatura de Neruda, pero también de la de Rimbaud, Rilke y Eliot. Fue él quien en los años cincuenta produjo ese cruce tan fundamental entre la alta cultura y la cultura popular al que el mundo conoció como bossa nova, estética con elementos provenientes del samba pero también del jazz. Fue él quien entendió que lo colectivo valía demasiado la pena: Tom Jobin, Joao Gilberto, Toquinho, Baden Powell, Edu Lobro pero también - en este afán de derribar fronteras - hombres provenientes de la literatura como Mario de Andrade, Jorge Amado o Graciliano Ramos. Fue Vinícius quien además de las artísticas, derribó las otras, las fronteras geográficas: no solo porque en su frondosa biografía pueda leerse que además de tantas cosas fue diplomático, sino también porque sus centenares de canciones fueron abordadas por el mundo entero, sobre todo su Garota de Ipanema, ícono del movimiento musical más revolucionario del Brasil. Fue él quien se nutrió del cine de Orson Wells, de la pintura de Siqueiros, de las voces de María Creuza y María Bethania. Con ellas y Toquinho, en el café concert La Fusa, la  música brasileña tuvo su gran penetración en la Argentina, como lo sentenció el propio Vinícius.
"Mi vida ha sido como si una mujer me depositara en brazos de otra", le confesó el propio artista a Clarice Lispector. En este "devenir amoroso" acaso han de hallarse las claves de lectura de su monumental obra: una obra múltiple, inquieta, deseante. Como las mujeres, que tanto le gustaban.
Renata Schussheim nos propuso este gran homenaje: imagen, música y poesía son los ingredientes para el dulce encuentro de talentos y pasión, con la complicidad de Marta Rodríguez Santamaría, confesando momentos de amor, para recordarlo y disfrutarlo a 100 años de su nacimiento...".

Claudio Patricio Massetti
Director General del Centro Cultural Recoleta


"...Schussheim produce un espacio, una escena compartida con el poeta, afectos en fotografías y una gran videoinstalación donde la carencia del mar dice casi todo.
Renata hace suya la bossa nova, es decir evidencia "la protuberancia" de un nuevo modo de vivir contemporáneo".

Renato Rita
Elio Kapzuk


"Conocer a Vinícius fue un privilegio...fue un hombre que tuvo la rara virtud, que escasea tanto hoy día, de encontrar el camino directo al corazón del otro.
Toda su vida y su arte se ordenaron en función de eso.
Esta exposición para festejar su centenario nos permite aproximarnos a su potente individualidad y que nuevas generaciones lo conozcan."
Marta Rodríguez Santamaría

"Esta muestra es una celebración, celebración de la vida, del queridísimo Vinícius de Moraes...
Un hombre que vivió en alta frecuencia, con una intensidad absoluta, e iluminó la existencia de todos los que tuvimos la suerte de conocerlo y compartir con él músicas, libros y noches.
Tratamos de recupear su esencia en imágenes, objetos, testimonios... y de festejar con alegría sus 100 años".

Renata Schussheim



"...Yo amé, amé demás
Lo que sufrí por causa de
amor nadie sufrió
Yo lloré, perdí la paz
Pero lo que sé es que nadie
tuvo más, más que yo."

(Consuelo, Vinícius & Baden Powell)

Muestra de Oskar Molek en el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti
























(Buenos Aires)

Desde el 22 de noviembre al 8 de diciembre, el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti será 
la sala de exposiciones de la muestra “Bahía (1999- 2009)”, del fotógrafo Oskar Molek.
La exposición, organizada por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, que preside Jorge
Telerman, se inaugurará el viernes 22 a las 19 en un acto encabezado por la Directora de Artes 
Visuales – Museo Provincial de Bellas Artes, Viviana Guzzo.
Con la curadoría de Juan Travnik, estas fotografías de Oskar Molek resumen el contacto que tuvo con 
San Salvador de Bahía y su gente en los viajes que realizó entre 1999 y 2009 a esa ciudad del
nordeste de Brasil.
Siempre motivado por la curiosidad y el interés por conocer lo diferente, Oskar Molek encaró esta 
experiencia con la misma visión humanista que se encuentra presente en sus anteriores trabajos. 
Testimonio distendido, construido con imágenes de estilo cercano al género de las crónicas de viaje, en
el trabajo aparecen personajes comunes, escenas y actividades características del lugar.


martes, 19 de noviembre de 2013

Nocturnos de Guillermo Roux en el Museo Nacional de Arte Decorativo



(Buenos Aires)

El Museo Nacional de Arte Decorativo vuelve a presentar  obras de este eximio artista plástico argentino que en 1988 exhibió una retrospectiva "De la Phillips Collection al Museo Nacional de Arte Decorativo".
Guillermo Roux nació en Buenos Aires y recibió de su padre, Raul Roux gran ilustrador argentino, los elementos teóricos del dibujo y la pintura.
Egresado de la Escuela de Bellas Artes viaja a Europa y trabaja como ayudante de Umberto Nonni. De regreso en nuestro país, se instala en Jujuy, alternando la docencia en escuelas primarias con la realización de sus obras pictóricas. Viaja luego por Nueva York, París, Roma y Sicilia. En 1997 crea su propio Taller de enseñanza en Buenos Aires. Ha realizado múltiples exposiciones y ha recibido premios tanto en nuestro país como en el extranjero.
En esta exposición el soporte de esta serie de  dibujos Nocturnos fue la maqueta armada de un libro - catálogo de sesenta y tres hojas en las que el autor iba volcando los objetos que veía a su alrededor cuando por problemas de salud no podía movilizarse y de noche plasmaba en papel lo que veía a su alrededor. Cuando finalice esta muestra las hojas de ese libro tan prolijamente separadas y enmarcadas volverán  al formato original.
Todos los dibujos han sido realizados con carbonilla, Un antiguo oficio que Guillermo Roux aprendió de su maestro Corinto Trezzini, quien advertía a sus alumnos que esa simple barrita de sauce quemado “bastaba para hacer todo lo que hay de importante en pintura”. Roux lo recuerda con cariño pero va más allá e insiste en que un simple dibujo con carbonilla no sólo fija las formas del objeto en el espacio sino que con la variación de la intensidad y tonalidad de la línea se habla también de la luz,
Esta muestra de tan polifacético artista seguramente cautivará al público visitante.

Visitas guiadas Martes, sábados y domingos 17,30 hs.

Hasta el 2 de marzo de 2014

martes, 5 de noviembre de 2013

Noé 3D inaugura en Galería Rubbers Internacional

Paula Noé Murphy, Luis Felipe Noé y Gaspar Noé

Gaspar Noé

Paula Noé Murphy


Luis Felipe Noé 


(Buenos Aires)


 Hasta el 7 de diciembre se podrá ver desde hoy la muestra Noé 3D del reconocido artista argentino
Luis Felipe Noé, a quien acompañan con sus obras Gaspar Noé, cineasta y Paula Noé Murphy, pintora.

EN FAMILIA

"Cuando cumplí 80 años este 2013 pensé que el mejor regalo que podía hacerme a mi mismo era exponer junto a mis hijos Paula y Gaspar, pintora ella, cineasta él. Este propósito estaba animado por mi necesidad de sentir la proximidad de ellos, residentes en Paris de la manera más apropiada a nuestro sistema de relación: la creación artística. Se trata también de un homenaje familiar a quien fuera mi compañera por 55 años y madre de ambos, Nora Murphy, fallecida el año pasado.
Si era claro que Paula y yo participaríamos de esta muestra con pinturas, Gaspar propuso estar presente con fotografías que de una manera propia de la concepción de un cineasta retratan el contexto familiar y con, además, alguna …¡pintura!. Este lenguaje artístico, por lo tanto, entrelaza en esta oportunidad, de una u otra manera, las tres desarrollos creativos de nuestra familia, sobretodo teniendo en cuenta que la pintura de Gaspar está inspirada en el único dibujo que tenemos de Nora.
Para esta ocasión he solicitado a mi amigo Eduardo Stupia conocedor de la obra de todos nosotros, que sea el curador de esta muestra, ya que me supera tal responsabilidad siendo yo uno más de los tres. Agradezco a Mariana Povarché directora de la Galería Rubbers que me ha permitido concretar esta ocurrencia".
                                                                                          Luis Felipe Noé

Galería Rubbers
Av. Alvear 1595
C.A.B.A.
www.rubbers.com.ar

                       

sábado, 2 de noviembre de 2013

Encuentros/ Tensiones Arte latinoamericano contemporáneo en el Malba

Alfredo Jaar Gold in the morning I , 1985 Transparencia en caja de luz. Serie 4/10 31 x 47 x 13 cm Comodato Eduardo F. Costantini 

Ana Mendieta Alma, silueta en fuego, 1975 Super-8mm color, film mudo transferido a DVD. Edición 5/6 3:07 minutos Colección Malba – Fundación Costantini Adquisición gracias al aporte del Comité de Adquisiciones, Malba 2013 

Pepe Fernández Pascal Remache, 1986 Gelatina de plata sobre papel. Fotografía vintage 29 x 22,5 cm Patrimonio Malba Colección Malba – Fundación Costantini Adquisición gracias al aporte de Fundación American Express, 2011.
Guillermo Kuitca Tres noches, 1986  Acrílico sobre tela  213 x 235 cm Colección Eduardo F. Costantini 

Irán do Espirito Santo Broken mirror N°5, 2007 Granito 190 x 142 x 2 cm Colección Eduardo F. Costantini 

Lucio Dorr Sin título, 2010  Esmalte sintético sobre vidrio calado 80 x 81,5 x 0,6 cm Colección Malba – Fundación Costantini Adquisición gracias al aporte de Sotheby´s, 2010 

Marcelo Pombo Figura con sol, 2001 Esmalte sintético sobre panel 100 x 150 cm Colección Eduardo F. Costantini 

Óscar Muñoz Editor solitario, 2011 Video proyección con sonido Edición 3/5 Colección Malba – Fundación Costantini Adquisición gracias al aporte del Comité de Adquisiciones, Malba 2012 

Víctor Grippo Tiempo, 1991 Técnica mixta: papas, electrodos de zinc y de cobre, cables eléctricos, reloj digital y texto 50 x 50 x 50 cm Colección Eduardo F. Costantini 



(Buenos Aires)

Hasta el 10 de febrero de 2014 se puede ver en el Malba  el nuevo nuevo recorrido por el arte latinoamericano contemporáneo, a través de una selección de más de 100 obras pertenecientes al acervo del museo y un conjunto de comodatos. Se incluyen pinturas, dibujos, objetos, instalaciones y videos de 60 destacados artistas latinoamericanos.
Encuentros /Tensiones está organizada en siete núcleos, reunidos por afinidades temáticas y formales. Se inicia con una serie de piezas centrales del conceptualismo latinoamericano de fines de los años 60 –que retoma la cronología de la puesta actual de la colección permanente- y llega hasta nuestros días.   En el marco de esta exposición, Malba presenta la incorporación de seis nuevas piezas a su patrimonio de los artistas Ana Mendieta (Cuba) Ernesto Neto (Brasil), Oscar Muñoz (Colombia), Alfredo Hlito (Argentina), Pablo Suárez (Argentina) y la dupla Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla (Puerto Rico), gracias a las compras y donaciones gestionadas por el Comité de Adquisiciones.
Con Encuentros /Tensiones , Malba ratifica su misión de coleccionar, conservar, estudiar y difundir el arte latinoamericano desde principios del siglo XX hasta la actualidad. “Reafirmamos el compromiso del museo con la promoción del arte de la región, a través de la constante ampliación del acervo y de la exhibición y puesta en valor de los principales artistas de la región”, afirma Eduardo F. Costantini, fundador y presidente de Malba.

Encuentros / Tensiones 

Los debates actuales sobre el arte contemporáneo ponen en tensión las relaciones entre lo local y lo universal. Hoy se considera obsoleta la noción eurocéntrica del arte y se habla de un quiebre del proyecto de globalización, acentuándose los rasgos de regionalidad cultural. En relación a la producción artística, América Latina es una región con características que la identifican, pero también con culturas locales bien definidas.  
El espacio de la exposición fue organizado según ejes conceptuales, puntos de contacto, pero también según tensiones o discordancias entre el inicio del arte contemporáneo latinoamericano y el arte actual, y entre postulados artísticos diversos. Se intenta mostrar las continuidades o herencias, pero también las dislocaciones, controversias, reacciones y cambios.      

Núcleos y artistas 

Conceptualismos - Mira Schendel, Liliana Porter, Antônio Dias, Luis Camnitzer, Anna Maria Maiolino, Guillermo Deisler, Nelson Leirner, Margarita Paksa, Marta Minujín, Helio Oiticica, Ana Mendieta
Los años 80, el posmodernismo - Guillermo Kuitca, Julio Galán, Marcia Schvartz, Pepe Fernández (José María Fernández), Pablo Suárez, José Bedia Valdés
Neo Dadá - Marcelo Pombo, Alejandra Seeber, Liliana Porter, Liliana Maresca, Sergio Avello, Feliciano Centurión, Omar Schilliro, Andrés Toro, Los Carpinteros, Allora & Calzadilla, León Ferrari, Jorge Gumier Maier, Jorge Macchi, Mondongo
Nuevos minimal - Ana María Maioilino, Artur Lescher, Waltercio Caldas, Iran do Espirito Santo, Mariano Dal Verme, Ramsés Larzábal, Lucio Dorr, Oscar Bony, Tomás Saraceno, Fabio Kacero
Transformación de la materia - Leo Battistelli, Artur Lescher, Daniel Joglar, Tomás Espina, Víctor Grippo, Ernesto Neto
Violencias - Alfredo Jaar, Fernando Brizuela, Adriana Bustos, Tomás Espina, Sebastián Gordin, Oscar Muñoz, Alejandro Cesarco, Víctor Grippo
Geopolítica - Cristina Piffer, Francis Alÿs, José Carlos Martinat, León Ferrari, Miguel Angel Ríos, Fernando Bryce, María Teresa Ponce, Colectivo Sociedad Civil
También se exhibirán en la galería del segundo piso piezas de los artistas Matías Duville, Eduardo Stupía, Pablo Siquier, Gachi Hasper, Cristina Schiavi y Gabriel Baggio.
Nuevas adquisiciones El Comité de Adquisiciones (CDA) fue creado en octubre de 2012 con el objetivo de generar un grupo de afinidad comprometido con la adquisición de obras de arte latinoamericano, que participe en las dinámicas de selección de obra y fortalezca los vínculos entre el museo y la comunidad.
Gracias a la gestión del Comité se compró el video histórico Alma , Silueta en fuego (1975) de la célebre artista cubana Ana Mendieta (1948-1985). Pionera del arte de acción y del género “Earth body”, en su legendaria serie Silueta (1973-1980) la artista utiliza su cuerpo desnudo cubierto de elementos orgánicos como piedras, arena, flores y ramas, para explorar y conectarse física y espiritualmente con la Tierra. Autobiográficas, las obras de Mendieta hacen foco en temas como el feminismo, la violencia, la vida, la muerte, el lugar, la pertenencia.
También se compraron las instalaciones Subdivisoes de um Relampago na Terra (2003) del artista carioca Ernesto Neto y Editor Solitario (2011), de Oscar Muñoz , pieza exhibida recientemente en Malba en su exposición antológica Protografías (diciembre 2012-febrero 2013).
A través del programa de donaciones, se suma al acervo un dibujo de Pablo Suárez , Esta es la parte en que el chancho saltó la alambrada (2000), y la instalación The Camel’s Humps and the Ironing Board (2010), de la dupla de artistas puertorriqueños Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla, representantes del Pabellón de Estados Unidos en la 54 Bienal de Venecia (2011). También una obra sobre papel de Alfredo Hlito (Argentina), Sin título (1988), donada por Silvia Braier. Se trata de un boceto de la pintura Efigie en equilibrio relativo (1991) de la colección, donada también por Braier en 2012. Ambas piezas están exhibidas en el primer piso del museo.

Nuevas obras para la colección
Ana Mendieta Alma , Silueta en fuego , 1975 Super-8mm color, silent film transferred to DVD Running time: 3:07 minutes Edition 5/6 Adquisición gracias al aporte del Comité de Adquisiciones, Malba 2013
Ernesto Neto Subdivisoes de um Relampago na Terra , 2003 Polyamide fabric, saffron, cumin and pepper Medidas variables Adquisición gracias al aporte del Comité de Adquisiciones, Malba 2013
Oscar Muñoz (Popayán, Colombia, 1951 – Vive en Cali, Colombia) Editor Solitario , 2011  Video proyección con sonido. Edición 3/5 Adquisición gracias al aporte del Comité de Adquisiciones, Malba 2012
Pablo Suárez Esta es la parte en que el chancho saltó la alambrada, 2000 Lápiz sobre papel 76 x 56 cm Donación Carlos Braun y Ricardo Esteves
Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla  The Camel’s Humps and the Ironing Board , 2010.  Stuffed camel humps, ironing board. Donación particular
Alfredo Hlito Sin título , 1988 Carbonilla s/papel 149 x 97 cm Donación Silvia Braier  

www.malba.org.ar 

jueves, 31 de octubre de 2013

Esculturas de Elba Bairon en el Malba






(Buenos Aires)

Esculturas de Elba Bairon se pueden ver en el Malba hasta el 10 de marzo de 2014. Nacida en La Paz, Bolivia en 1947, Elba Bairon estudió en la Escuela de Bellas Artes de Montevideo y pintura china en la Biblioteca Nacional de esa ciudad. En 1967 se radcó en Buenos Aires.

Malba Fundación Costantini presenta una nueva edición de su programa Contemporáneo , dedicado al arte actual, local y regional. En esta ocasión, se exhibe un proyecto especialmente concebido por la artista Elba Bairón para este espacio del museo: un conjunto de ocho figuras a escala humana -realizadas en pasta de papel- configura un paisaje indefinido en el tiempo, que se completa con pequeñas construcciones arquitectónicas racionalistas producidas en yeso.  
Se trata de una instalación escultórica que continúa la línea de la producción más reciente de Bairon (g anadora del Gran Premio Salón Nacional Nuevos Soportes e Instalación y del Premio Federico Jorge Klemm a las Artes Visuales 2012), que se caracteriza por la sutileza poética, el misterio y la ambigüedad.  
“Pareciera que todo reposa en un sueño. Que todos se han dormido o congelado para que nosotros podamos contemplarlos en paz. Estatuas de sal, que como la mujer de Lot han quedado mirando eternamente hacia atrás. Pero que por una extraña inversión de la trama, ese atrás es ahora el nuestro”, escribe el crítico Teo Wainfred en el ensayo del catálogo que acompaña a la exposición. “ Es Bairon quien nos conduce siempre hacia esos territorios. Cada gesto en su obra imprime un boceto de lo que nuestros ojos podrían llegar a ver, nuestro cerebro a dibujar, nuestra experiencia a archivar para el futuro”, agrega.
La obra de Elba Bairon es un desfile de figuras cifradas, mediante las cuales la artista intenta llevarnos por el camino de la experiencia. “A este mundo nuestro, tan seguro de sí mismo, estas figuras quietas llegan para señalar con la punta de sus instrumentos metódicos, que todo puede ser de acuerdo a quien lo mire. (…) Elba es la única que conoce los antecedentes de estas imágenes. Qué cosa las han traído hasta aquí.  Pero es a nosotros a quienes nos toca darle el soplo. La orden. El levántate y anda ”, reflexiona Wainfred.
Junto con la exposición Malba editó un catálogo bilingüe español-inglés, de 48 páginas, con el ensayo “Una cifra escondida en una piedra” de Teo Wainfred, además de un registro fotográfico de las esculturas y la reproducción color de las acuarelas que sirvieron de boceto a la instalación.  

Elba Bairon nació en 1947 en La Paz, Bolivia. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Montevideo y pintura china en la Biblioteca Nacional de la misma ciudad. En 1967 se radicó en Buenos Aires. Entre 1980 y 1986 estudió grabado y litografía. En 1984 y 1987 ganó el Premio del Salón Nacional de Grabado para extranjeros. En 1998 obtuvo una beca del Fondo Nacional de las Artes y en 2001 el premio Adquisición en la Bienal de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca. Desde entonces se dedica a sus objetos e instalaciones en pasta de papel.  Realizó exposiciones individuales y colectivas en el Centro Cultural Rojas, Centro Cultural Recoleta, Centro Cultural Borges, Museo de Arte de Tigre, Museo de Arte  Contemporáneo de Bahía Blanca, Centro Cultural Parque España (Rosario), Galería Diana Lowensteien, Galería Luisa Pedrouzo, Galería Braga Menéndez, Galería Zavaleta Lab, Galería Schlifka Molina, Galería 713, Instituto Latinoamericano de Roma, Arco (Madrid, España), Art Basel (Basilea, Suiza), Art Frankfurt (Alemania), entre muchas otras. Vive y trabaja en Buenos Aires.  
ST +54 (11) 4808 6500 | info@malba.org.ar  | www.malba.org.ar

miércoles, 23 de octubre de 2013

ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo y GACHI PRIETO GALLERY presentan muestra en el Centro Cultural Recoleta

Arturo Aguiar


Simón Altkorn

Carolina Magnin


(Buenos Aires) 
Entre el 1 y el 4 de noviembre las galerías Elsi del Río Arte Contemporáneo y Gachy Prieto Gallery presentarán una muestra conjunta en el Centro Cultural Recoleta en el marco de Buenos Aires Photo 13.

ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo y GACHI PRIETO GALLERY
Stand 9
BUENOS AIRES PHOTO 13
Del 1 al 4 de


NOVIEMBRE, 2013
Centro Cultural Recoleta.
Junin 1930
Ciudad autónoma de Buenos Aires.

GACHI PRIETO GALLERY Y ELSI DEL RIO ARTE CONTEMPORÁNEO presentarán en forma conjunta a los artistas  Arturo Aguiar, Simón Altkorn, Nestor Crovetto, Paulo Fast, Veronica Ibáñez Romagnoli, Carolina Magnin, Javier Mazzeo, Gaby Messina y Viviana Zargon en el stand 9 de la novena edición de Buenos Aires Photo, que se llevará a cabo del 1 al 4 de Noviembre de 2013 en  el Centro Cultural Recoleta.

Nota sobre los artistas expuestos:

Arturo Aguiar
La  obra de Arturo es la construcción de una poética fotográfica, que como toda poética intenta subvertir los códigos y convenciones del lenguaje que la expresa.  El uso de la luz y el color tienen un sentido plástico y conceptual. Los contrastes entre los fulgurantes brillos y la oscuridad acentúan el misterio de lo humano, lo bello y a veces lo terrible.

Simón Altkorn
Ignoramos qué ha sucedido inmediatamente antes de la escena o qué sucederá después; aún así las fotografías de Simón Altkorn siempre reclaman al espectador la alusión potencial a una cadena narrativa que está, en sí misma, ausente. Como dispositivo real y como metáfora, el relato construye sus personajes en juegos de espejos reversibles. Altkorn ha imaginado un drama donde los acontecimientos externos se confunden con procesos psíquicos y emocionales.

Nestor Crovetto. 
A través de su serie Habitat Nestor Crovetto intenta explicar que los desiertos son la evidencia de que nada es para siempre, de que todo cambia, fluye y que inmersos en esa infinita magnitud nos volvemos insignificantes, algo que puede entenderse como profundamente angustiante. Es el silencio que domina al espacio lo que nos permite escucharnos y conectarnos nuevamente con nuestro ser.

Paulo Fast
Paulo fotografía teatros y auditorios de Buenos Aires. Para esto ubica la cámara desde el escenario hacia la sala haciendo especial hincapié en el lugar de las butacas y utiliza una iluminación artificial y móvil para generar una idea de ficción en el espacio que corresponde al espectador. Su interés con esta metodología es resignificar los espacios de representación para cuestionar las dicotomías que de esta relación resultan: sujeto – objeto, espectador –  espectáculo, realidad y ficción, como si cada una de estas entelequias pudiera definirse o dejar de ser por la forma de ser iluminado.

Veronica Ibáñez Romagnoli
El trabajo de Verónica es una observación de la relación que hay entre la luz y el espacio capturando las sutilezas que van cambiando con el tiempo. Estas imágenes son transferidas en transparencias puestas en capas en instalaciones de cajas de luz, videos de stop-motion e impresiones. La intención es capturar la cualidad transitoria de la luz y presentarla con un grado de permanencia, creando un momento de reflexión sobre algo común.

Carolina Magnin 
Las cosas recién desaparecidas exhalan un brillo particular, y en ese último esplendor pueden decir más sobre el presente que la obviedad de lo que nos rodea. En el mundo dominado por la imagen digital, Carolina Magnin encontró en las diapositivas, ya caídas en desuso, un tesoro singular.

Gaby Messina utiliza como base de los fotomontajes de su proyecto “FE” las diapositivas obtenidas por su padre en los viajes familiares de su infancia. Sobre ellas, nos ofrece su versión de algunos pasajes bíblicos. Movilizada por la muerte de su progenitor y desencantada con la religión sobre la que tantas veces había puesto sus esperanzas, emprende un recorrido a través sus recuerdos con la necesidad de establecer un diálogo con alguien que ya no está.

Javier Mazzeo presenta su serie “Recuerdo de los Animales” donde plantea una experiencia inmediata, un encuentro genuino y vital en un espacio propio de la naturaleza de los animales y donde el hombre participa como un “invitado”. Una situación anómala donde el hombre pareciera interactuar con absoluta naturalidad en un hábitat que si bien le es ajeno, no demuestra hostilidad ni incomodidad por su presencia.

Viviana Zargón aborda un trabajo de recopilación fotográfica de espacios relacionados con el mundo fabril, objetos, puentes y estructuras ya abandonadas, no por obsoletas, sino por inactivas. Como una antropóloga que bucea en edificios, la artista  interroga la imagen y reordena la memoria. Opera esa fotografía para aligerarla de fantasmas y devolverle parte de su potencia original.
Nota sobre las galerías:

Gachi Prieto Gallery es un espacio de reflexión independiente y punto de encuentro para dinámicas propuestas de arte contemporáneo. Trabaja desde  2007 en la difusión del arte argentino del más alto estándar a través de la participación en ferias internacionales,  la gestión cultural y el intercambio con galerías e instituciones del continente. Con el compromiso de asumir prácticas que prioricen al artista, a la obra y a la búsqueda estética permanente,  desarrolla un ciclo de 8 muestras anuales y lanza  Proyecto PAC (Prácticas Artísticas Contemporáneas), un programa de encuentros de análisis, crítica y producción de arte, dirigido por reconocidos curadores y teóricos.

Bajo la dirección de Fernando Entin, ELSI DEL RIO Arte Contemporáneo abrió sus puertas el 14 de Julio de 2000 con la misión de promover artistas emergentes contemporáneos nacionales y extranjeros, y el compromiso de ser un espacio independiente en el mundo del arte contemporáneo local, presentando la obra de artistas plásticos en un programa anual conformado por muestras individuales y colectivas.  Los artistas que forman parte del menú de la galería presentan obra que se sustenta por si misma, sin responder a tendencias de mercado o segmentaciones de edad.  ELSI DEL RIO participa en ferias de arte y convoca a curadores en el armado de sus muestras y el desarrollo de sus artistas.


Centro Cultural Recoleta.
Junin 1930
Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

jueves, 17 de octubre de 2013

Presentación del mural americanista de Antonio Berni en el Malba






(Buenos Aires)

El Museo de Arte Latinoamericano Malba presentó ayer el único fresco de temática indigenista  de Antonio Berni (Rosario, 1905- Buenos Aires, 1981) que se conserva y que formará parte del recorrido de su colección permanente.
Documentado fotográficamente en el archivo Berni de la Fundación Espigas, no se le conoce título pero podría llamarse Mercado colla o Mercado del altiplano (ca. 1940). Esta incorporación al acervo del museo y a la colección permanente implica una importante iniciativa de restauración y difusión del patrimonio nacional.
Junto con el mural se exhiben 15 aguafuertes realizadas en los años 40 (impresas en 1951) cedidas en comodato por José Antonio Berni, hijo del artista; además de un video documental realizado por El Pampero Cine, que muestra todo el proceso de extracción del muro, traslado, restauración y emplazamiento final en Malba.
“La pintura mural debe ser cuidada y mantenida en su pureza, porque ella tiene valores públicos de cultura, como lo tienen los monumentos de la ciudad. La pintura mural cumple una misión distinta a la que puede ejercer la pintura de caballete: individual y de uso privado. La pintura mural tiene su porvenir en el futuro inmediato, y ya lo tiene hoy cuando las grandes muchedumbres se ubican en un plano positivo como elementos participantes de la cultura”, escribió Berni en 1942.
El Malba editó también un catálogo con los detalles de la restauración del mural y su emplazamiento en el museo.

Americanismo. Pensamiento latinoamericano

"...En la escena local de los años 20, desde nuestra vanguardia de intelectuales, escritores y artistas se pensaba en una línea americanista. Europa seguía siendo un lugar de aprendizaje y de encuentro con otras culturas del mundo a través de los grandes museos, pero también representaba el academicismo.
La idea de emancipación americana empezaba a extenderse por toda América y los artistas e intelectuales comenzaban a viajar por el continente. Antes de regresar de Europa, Emilio Pettoruti y Xul Solar tenían un proyecto americanista en mente. Pettoruti quería intentar en su país

    .... la formación de un arte decorativo americano  [basado] en la utilización de elementos de nuestro arte primitivo. En el arte incaido, en el azteca, existe un venero inagotable de motivos pictóricos. El gaucho es esencialmente decorativo. Sus prendas engalanan pintorescamente la figura.

En 1921, Xul afirmaba:" Estoi cada vez más cansado de Europa y su civilización". Y su proyecto americanista fue integral, tanto en sus textos y obras de 1923 y 1924 como en su proyecto del idioma "neocriollo, común para toda América, un verdadero sincretismo cultural que conducía a la aparición de una raza nueva:" Raza blanca, raza roja, raza negra; con el ensueño azul de lo futuro, la aureola dorada intelectual, y lo pardo de las mezclas". En 1926 Alfredo Guttero decía que "sería mejor si recorriese las grandes capitales de Sud América y las grandes ciudades de la América del Norte". Como señala Marcelo E. Pacheco, "Figari sostenía la necesidad de crear una productividad autóctona, para lograr  una cultura propia había "que dejar de copiar modelos ajenos. Era la clave del arte nativista". Y Oliverio Girondo, en 1924, realizaba un viaje a Europa vía el Pacífico con estadías en Chile, Perú, Cuba, México y Nueva York: "una misión de confraternidad artística para el "intercambio de producciones, revistas y libros; ideas poesía, arte".
A su vez, estuvieron en Buenos Aires algunos "visitantes ilustres" relacionados con el tema americanista como Manuel Rodríguez Lozano y Julio Castellanos quienes se alinearon la revista Martín Fierro en sus cuatro meses de estadía; a través de Sur y de Amigos del Arte, y de la mano de Victoria Ocampo, formaron parte de la escena intelectual local Waldo Frank, presidente de la Unión Latinoamericana e integrante de Sur, Alfonso Reyes, Pedro Henríquez Ureña, José Ortega y Gasset, quien tomó a América como materia de reflexión para La rebelión de las masas (1930), y Hermann von Keyserling, que basó su libro Meditaciones sudamericanas (1932) en su viaje por esta región, entre tantos otros. En el único número de la revista Imán, publicada en París por Elvira de Alvear y Alejo Carpentier, se realizó una encuesta sobre el "Conocimiento de América Latina", y en las respuestas se hablaba de la necesidad de una América Latina no colonizada, integrada en su destino a la lucha de clases a nivel mundial, y del triunfo de la revolución proletaria...".

La historia del hallazgo

 Localizado en la galería de una quinta en San Miguel, Provincia de Bs. As., el mural fue adquirido en octubre de 2012 y constituye la primera compra realizada por el Comité de Adquisiciones de Malba (CDA), creado a principios de ese año con el objetivo de colaborar en la ampliación del patrimonio del museo. La pieza fue ofrecida a Malba por intermedio de Silvia Braier (presidenta de la Asociación Amigos de Malba), quien elevó la propuesta a Marcelo E. Pacheco, entonces curador en jefe del museo. Pacheco, especialista en Berni, constató la relevancia de la pieza y asesoró al CDA para concretar su incorporación al acervo del museo.
La extracción del mural estuvo coordinada y financiada por Malba. Durante seis meses, un destacado equipo de profesionales argentinos, encabezado por la restauradora Teresa Gowland de Frías y el arquitecto Marcelo L. Magadán, trabajó con las mejoras técnicas de traslado y restauración hasta su emplazamiento final en una de las salas del museo.
El mural Mercado colla o Mercado del altiplano (ca. 1940) amplía la presencia de Berni en la colección de Malba, que guarda uno de los conjuntos más importantes del artista, con obras y períodos clave de su producción: el ciclo surrealista con piezas como Susana y el viejo (1931) y La puerta abierta (1932); el Nuevo Realismo con  Manifestación (1934) y La mujer del sweater rojo (1935); sus series de Juanito Laguna y Ramona Montiel con La gran tentación (1962), el xilo-collage-relieve Ramona y el viejo (1962), El pájaro amenazador (1965) y Juanito dormido (1978); y Chelsea Hotel (1977) de su etapa en Nueva York, entre otras piezas centrales del artista. El mural americanista será el primer mural de Berni exhibido públicamente en un museo.

Berni. Mural americanista 

Se trata de una pintura mural al fresco buono, con detalles de terminación al secco, de 129 x 330 x 2 cm. Se desconoce la fecha de su ejecución, pero se calcula que podría haber sido hecha entre 1936, cuando Berni realizó su primer viaje por el Noroeste Argentino, y 1943, luego de su segundo viaje por la Puna, en el que pasó por Bolivia, Perú, Ecuador y Colombia, gracias a una beca de la Comisión Nacional de Bellas Artes para estudiar las tipologías de las culturas coloniales y precolombinas en Latinoamérica.
El mural pertenece a una época clave en la producción de Berni en la que refuerza su compromiso con la realidad social. La pieza se inscribe dentro del “Nuevo Realismo”, doctrina estética que el artista inició en 1934, luego de la visita al país del mexicano David Alfaro Siqueiros. En esos años, Berni había descubierto el norte del país y, a partir de 1936, realizó un conjunto de obras dedicadas a la exaltación del carácter singular de la Puna y sus habitantes. Significó el encuentro con la raza indígena y con una cosmovisión común a gran parte de los países de la región.
De esta temática, Berni pintó además un mural en la entrada de su casa (ca. 1940), supuestamente destruido; los grandes óleos Jujuy (1937), hoy colección del Museo de la Patagonia Francisco P. Moreno, Bariloche; y Mercado indígena (1942) desaparecido; tres acuarelas tituladas Boceto de composición (1942) y otras dos, Apuntes de paisaje (1943), además de dos óleos, Coyas en el Altiplano (ca. 1940-1942) y Boceto para Mercado indígena (1942), todas de la colección del Museo Nacional de Bellas Artes.
En Mercado colla o Mercado del altiplano, el artista exalta la etnia americana y mestiza colla como arquetipo del Norte Argentino, pero también del norte chileno, Perú y Bolivia, a la vez que rescata su cultura, su forma de vida, sus vestimentas coloridas, sus labores y su forma de comercio en su entorno geográfico: el paisaje árido de montañas del altiplano de la Puna y el poblado de arquitectura colonial-española. Esa pertenencia americanista puede funcionar como un nuevo punto de entrada para el estudio de la producción artística de Berni.

Biografía Antonio Berni 
Nace en Rosario en 1905. Comienza sus estudios en esa ciudad y en 1925 obtiene una beca que le permite viajar a Europa y concurrir a los talleres de André Lhote y Othon Friesz. Integra junto a Aquiles Badi, Héctor Basaldúa, Alfredo Bigatti, Horacio Butler, Raquel Forner, Víctor Pissarro y Lino Enea Spilimbergo, el grupo de artistas argentinos modernos conocido como “Los muchachos de París”. En esa época se pone en contacto con la pintura metafísica y con el surrealismo y adhiere a la idea de la acción artística comprometida con la realidad política y social, ideología que comparte con el poeta Louis Aragon, con quien traba amistad. Regresa a la Argentina en 1930. Trabaja en pinturas y collages surrealistas que expone en Buenos Aires en 1932 y con las que introduce dicha tendencia en las artes visuales del país. La crisis internacional y, particularmente, la nacional influyen en su poética que vira hacia un realismo crítico capaz de manifestar sus preocupaciones sociales. En 1933 toma contacto con el mexicano Siqueiros y con el concepto del mural como arte de proyección comunitaria. Desde entonces trabaja, a falta de muros públicos, en composiciones de gran tamaño, que tratan en escala monumental los conflictos de las clases populares. En 1934, con un grupo de jóvenes artistas –Piccoli, Gambartes, Grela, Pantoja, Calabrese, Paíno, entre otros– funda la Mutualidad Popular de Estudiantes y Artistas de Rosario, en donde dirige la escuela-taller. Una beca de la Comisión Nacional de Cultura le permite viajar, en 1941, por Latinoamérica y estudiar su arte. En 1943 obtiene el Gran Premio de Honor del Salón Nacional. Al año siguiente funda, junto a Spilimbergo, Castagnino, Urruchúa y Colmeiro, el primer Taller de Arte Mural, con el que ejecuta la decoración de la cúpula de las Galerías Pacífico. En los años ´50 comienza una serie dedicada a los pobladores más humildes del interior del país, sobre todo de las provincias del Chaco y Santiago del Estero, con cuya representación se ocupa del fenómeno de las migraciones internas. En esa década retoma el collage, técnica que empleará profusamente en los ciclos de Juanito Laguna y Ramona Montiel. La elección de los materiales de deshecho se vuelve significativamente contextual. Chapas, cartones, papeles, maderas y rezagos industriales ambientarán las andanzas de Juanito en la villa miseria, así como encajes, puntillas de plástico o papel, y molduras de mobiliario barato, predominarán en el entorno prostibulario de Ramona. Gana el Gran Premio Internacional de Grabado de la Bienal de Venecia en 1962. Sus grabados también son premiados en la Bienal Internacional de Ljubljana, en la de Cracovia y en Intergrafik de Berlín. Renueva la xilografía a partir de la introducción del collage y de prominentes relieves ("xilo-collage-relieve"), además de realizar estampas de grandes proporciones. En 1965 se organiza una retrospectiva de su obra en el Instituto Di Tella, donde presenta los Monstruos polimatéricos, grandes objetos tridimensionales resueltos, como sus ensamblados, con material de descarte. Versiones de esta muestra recorren algunas ciudades del interior del país, Estados Unidos y Latinoamérica. Es designado Miembro Honorario de la Accademia delle Arti del Disegno de Florencia. A partir de 1967 trabaja en ambientaciones multimedia como Ramona en la caverna, El mundo de Ramona o La masacre de los inocentes, presentada en su retrospectiva de 1971, en el Museo de Arte Moderno de París. En los años ´70 recurre a elementos provenientes del realismo fotográfico, sin abandonar por ello su inclinación al expresionismo. Pinturas de esta modalidad son exhibidas en 1977, en Nueva York. Estos recursos nutren tanto a los ensamblajes de Juanito como a los de Ramona, que, por su parte, adquieren cada vez mayor relieve para casi transformarse en retablos modernos. En este estilo y reflejando los cultos populares, había realizado en 1976 la ambientación dedicada a La difunta Correa. En 1979 es nombrado miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes. Con Apocalipsis y La Crucifixión culmina, en 1981, las imponentes pinturas destinadas a decorar la Capilla del Instituto San Luis Gonzaga de Las Heras, provincia de Buenos Aires, instaladas allí luego de ser expuestas en la capital argentina, junto a un conjunto de obras preparatorias. Fallece en Buenos Aires el 13 de octubre de 1981. El 17 de noviembre se inaugura en San Martín, provincia de Buenos Aires, el Monumento a Martín Fierro, su primera escultura en acero y bronce.

Equipo técnico
Coordinación general Victoria Giraudo
Preparación para la extracción y restauración de la obra Rest. Teresa Gowland de Frías
Proyecto y supervisión de la extracción Mg. Arq. Marcelo L. Magadán
Diseño y cálculo estructural de los bastidores Ing. Oscar María Galluzzi
Construcción de bastidores Syma Técnica S.R.L.
Fijación del bastidor definitivo Rest. Laura Basterrechea
Apoyo operativo en obra y taller Sres. Horacio Vidal e Ismael Vidal
Análisis de laboratorio Lic. Marcela Cedrola
Asesoría inicial Alejandro Bustillo
Traslado y emplazamiento Delmiro Méndez e Hijo S.A.
Videofilmación El Pampero Cine
Coordinación de museografía Gustavo Vásquez Ocampo      
Malba – Fundación Costantini | Avda. Figueroa Alcorta 3415 | C1425CLA | Buenos Aires, Argentina | T +54 (11) 4808 6500 | info@malba.org.ar  | www.malba.org.ar

domingo, 13 de octubre de 2013

Sameer Makarius: Buenos Aires, mi ciudad - fotografías en el MUNTREF



(Buenos Aires)
Río de la Plata
Avenida Santa Fe (Buenos Aires)

Avenida General Paz

Obelisco

Parque Rivadavia



(Buenos Aires)

El jueves 10 de octubre se inauguró en el MUNTREF una muestra de fotografías de Sameer Makarius conjuntamente con el lanzamiento del libro Buenos Aires, mi ciudad, que la editorial Eudeba editó en 1963 y que fue reeditado ahora por la Universidad Nacional de Tres de Febrero.
En el libro, las fotografías de Sameer Makarius ponen de manifiesto una ciudad que hoy se nos escapa y muestra, a través de su mirada atenta y sensible, lugares, escenas, gente y vida cotidiana de aquella época, según palabras de Aníbal Jozami, Rector de la Untref y director del MUNTREF.
"La historia de una ciudad es también la historia de su gente, de las maneras de habitarla y a la vez de constituirse como ciudadanos. Tramos de esta historia, o más bien, instantes de ella, están registrados por la inteligente mirada de Sameer Makarius, quien pudo identificar ángu- los, gestos, luces y sombras de nuestra ciudad de Buenos Aires. La editorial Eudeba fue receptiva de su tra- bajo y en 1963 editó el libro Buenos Aires, mi ciudad que llegó a vender más de 67.000 ejem- plares. En el libro, las fotografías de Sameer Makarius ponen de manifiesto una ciudad que hoy se nos escapa y muestra, a través de su mirada atenta y sensible, lugares, escenas, gente y vida cotidiana de aquella época. A 50 años de su primera edición, el encuentro virtuoso entre Diana Wechsler y su hijo, Karim Makarius, acercó a nuestra Universidad este rico proyecto y la oportunidad de poder contar con su valiosa colaboración para poder, con este libro, reponer en la mirada contemporánea aspectos fugitivos de nuestra identidad. Eduntref, la editorial de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, presenta la reedición de un libro pionero de la fotografía en la Argentina: Buenos Aires, mi ciudad y también de Buenos Aires y su gente, publicado en 1960. La riqueza de las imágenes de ambos libros se nos impuso de tal manera que desde Muntref decidimos exhibir, acompañando esta presentación, una selección de ellas".
ANÍBAL JOZAMI RECTOR UNTREF / DIRECTOR MUNTREF


Avenida Santa Fe 

“Dentro de la historia nacional, donde tantas calles han sido escenario de hechos gloriosos o dieron ambiente a una época, Santa Fe pasó inadvertida. Era campo abierto, sobre el linde de la ciudad; luego se transformó en camino y se pobló de quintas. Con el tiempo, el camino se hizo calle, y las quintas, caserones señoriales: por su ruta se llegaba a los portones de Palermo, y a través de ellos se iniciaban viajes hacia los pueblos suburbanos que año tras año iban integrándose a la populosa urbe”.

Rubí M. Rubens

Avenida General Paz

“Buenos Aires tiene por lindes: un río, ‘el más ancho del mundo’; un arroyo, seguramente uno de los menos ‘fragantes’ del universo; y, finalmente, una avenida de 100 metros de ancho y veintitrés kilómetros y medio de extensión. (…) Es la única ‘frontera’ terrestre de las que rodean la Capital (…). No cabe duda de que este límite ciudadano es una de las más preciadas características de nuestra inmensa urbe”.

Mirador porteño. La Nación

Parque Rivadavia 

“Frente al Parque Lezica, en el barrio de Caballito, provistos de las revistas ya leídas y ávidos de nuevas historietas y aventuras nuevas, acuden los niños a la feria donde las transacciones se realizan con la seriedad y la responsabilidad propias de esa grave forma de la vida en que consiste el juego de los niños”.

Sameer Makarius

Obelisco

 “El obelisco de cemento de la Plaza de la República –el Obelisco, por antonomasia– erigido en 1936 por un arquitecto audaz en homenaje al 4º Centenario de la primera fundación de la ciudad, se ha convertido en el símbolo de Buenos Aires como la Tour Eiffel lo es de París. Situado en el cruce de dos avenidas capitales, el blanco índice de su geometría perfecta apunta al cielo, desde el corazón de la ciudad, como una expresión de su voluntad de engrandecimiento y de severa armonía”.

Sameer Makarius

Río de la Plata 

“El Río de la Plata, el río más ancho del mundo, el ‘río como mar’ de los indígenas, el ‘Mar Dulce’ de su descubridor Juan Díaz de Solís, el ‘río color de león’ del poema de Leopoldo Lugones, cuenta con playas dilatadas y de suavísimo declive donde es posible, a quienes carecen de tiempo o de rentas cuantiosas, tomar sus baños y asolearse como millonarios, a un paso de la ciudad, en breves y módicos veraneos dominicales”. 

Sameer Makarius

Selección de fotografías: Sebastián Vidal Mackinson
textos de las fotos: extraídos de los libros Buenos Aires, mi ciudad  (Makarius, Eudeba, 1963 y Buenos Aires y su gente(Makarius, Compañía General Fabril Editora, 1960)

la muestra se puede visitar hasta el 15 de diciembre de 2013, lunes a domingos de 11 a 20; visitas participativas sábados 15,30 y 17 hs.; domingos a las 17
taller para niños sábados a las 17
entrada gratuita
Valentín Gómez 4838, Caseros, Provincia de Buenos Aires
museo@untref.edu.ar
4759-3528/3578/0040 int. 4

jueves, 10 de octubre de 2013

Raquel Forner: Presagios e invenciones de la modernidad


(c)Raquel Forner -El encuentro 
fotografía de Raquel Forner - La visita
(c)Raquel Forner - Torre de astroseres

Muestra retrospectiva de Raquel Forner en el MUNTREF

(Buenos Aires)
Con pinturas de la gran artista argentina Raquel Forner y documentación de su archivo, libros, catálogos, recortes periodísticos, fotografías, litografías, se inauguró el jueves 10 de octubre una muestra retrospectiva el  Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero.
Algunas de sus primeras pinturas son de estilo figurativo, se trata de algunas obras de gran tamaño y otras más pequeñas. En los últimos años Raquel Forner realizó obras como El encuentro o Torre de astroseres, utilizando colores primarios, estridentes y las figuras están relacionadas con la conquista del espacio y la emergencia de un hombre nuevo:
"...Varias constantes recorren su historia y se imprimen en su trabajo: una mirada incisiva y la capacidad de prefigurar ciertas dimensiones de la experiencia vital de su época: desde las perplejidades de los tiempos de guerra hasta las utopías liberadoras que la llevaron a imaginar, en la conquista del espacio, la emergencia de un hombre nuevo...".
Diana B. Wechsler
Raquel Forner (Buenos Aires, 1902- Buenos Aires, 1988). Graduada en la Academia Nacional de Bellas Artes, realizó su primer envío al Salón Nacional de 1924, al que le seguirían intervenciones regulares durante toda su trayectoria. Poco después, en 1928 montó su primera muestra individual en la Galería Müller de Buenos Aires. Un año más tarde, en París, asistió a los cursos impartidos por Othon Friesz y se vinculó al llamado Grupo de París, integrado por Butler, Basaldúa, Bigatti, Berni y otros. En 1932, fundó los Cursos Libres de Artes Plásticas junto a Guttero, Domínguez Neira y Bigatti, con quien se casó en 1936. Desde 1952 es una de las principales artistas representadas por la Galería Bonino. Además, participó de numerosas exposiciones nacionales e internacionales y sus obras integran las colecciones de importates museos del mundo como el MoMA de Nueva York y el National Air and Space  Museum de Washington, ciudad en la que realizó un mural para el nuevo edificio de la OEA en 1982. Es invitada de honor en las Bienales de México, San Pablo y Venecia, y miembro de la Royal Society of Arts of England. Recibió numerosas distinciones nacionales e internacionales como la Medalla de Oro en la Exposición Internacional de Artes y Técnicas de París en 1937, el Gran Premio de Honor del Salón Nacional en 1956, Gran Premio de Honor de la Bienal Americana de Arte en 1962, el Premio Konex en 1982 y el Premio Fondo Nacional de las Artes en 1987. Además de su labor como artista, en 1982 crea la Fundación Forner-Bigatti, destinada a la promoción artística.
"Raquel Forner perteneció a aquella generación de artistas que vivieron intensamente y así lo reflejaron en su obra, épocas de grandes compromisos y enfrentamientos ideológicos. Volver a esas fuentes, en una época dominada por la levedad, es no solo recuperar la mejor condición del arte argentino sino también reivindicar a una artista que solo guiaba su accionar por cuestiones estéticas y de contenido y no por las futilidades que intentan hoy prevalecer en el mundo del arte.
Para el MUNTREF, nuevamente, esta exposición permite poner en marcha el funcionamiento del museo como un engranaje más junto a los de la investigación y la formación de profesionales. La presente muestra se incubó en el ámbito del Instituto de investigaciones en Arte y Cultura "Dr. Norberto Griffa" y de la Maestría en Curaduría en Artes Visuales, de la que procede el grupo de estudiantes que colaboró y se formó en este proceso, sobre un proyecto curatorial de Diana Wechsler con la asistencia académica de Talía Bermejo.
La muestra implica también establecer relaciones virtuosas con otras instituciones como la Fundación Forner-Bigatti que cuidadosamente alberga obras, archivo y biblioteca de la artista y sin cuya colaboración esta exposición no tendría las caracteristicas que ponemos a disposición del público con la idea de resituar la imagen potente de una artista clave en el arte argentino del siglo XX".
Aníbal Jozami
Rector UNTREF/Director MUNTREF

horario de la muestra:
lunes a domingos de 11 a 20
visitas participativas:
sábados de 15,30 y 17, domingos 17
taller para niños:
sábados 17 hs.
entrada gratuita
hasa el 15 de diciembre de 2013

museo@untref.edu.ar
4759-3578/0040 int 4



domingo, 6 de octubre de 2013

Muestra de Retratos de Brasil, de Oskar Molek en el Museo José Hernández



(Buenos Aires)

El jueves 10 de octubre se inaugura una muestra Oskar Molek en el Museo de Arte Popular José Hernández: Retratos de Brasil, entre las 18,30 y las 20,30.
Avenida del Libertador 2373.

La muestra podrá visitarse hasta el domingo 17 de noviembre  de miércoles a viernes de 13:00 a 19:00 horas; sábados, domingos y feriados de 10:00 a 20:00 horas. Entrada general $5. Domingos gratis.

Sobre la muestra

 Dice Oskar Molek  “…

Todos estos territorios de culturas ancestrales y territorios exuberantes despertaron en mi curiosidad y me deslumbran...”

Esta muestra es parte de una producción fotográfica mayor que realizó Oskar Molek en sus viajes a Bahia. En las mismas incorpora los paisajes, la ciudad y su gente. En esta ocasión disfrutamos de una serie de retratos sobre mujeres bahíanas.

 Acompañan a la muestra poesías de Cristina Briante.

Oskar Molek:

Fotógrafo de formación autodidacta, sus primeros conocimientos los realizó con Ales Gacnik durante los estudios de etnología en Eslovenia, Nació en Vicente López,  Provincia de Buenos Aires en el año 1950; •       Publicista, docente, e investigador de la fotografía, en su formación estética asistió a seminarios de estética de  Héctor Cartíer.
En la Fac. de Ciencias Sociales de la UBA con Norberto Salerno, Raúl Ponce, Guillermo Mischkinis. Seminarios y talleres : Alejandra Niedermaier  y Filiberto Mugnani, María Kusmuk .

jueves, 26 de septiembre de 2013

Viejo Paraná, intervenciones en el espacio natural



(Santiago de Chile)

Jaime Brito Farías, Decano de la Facultad de Educación de la Universidad Católica Silva Henríquez y Germán Greene Cuadra, Director de la Escuela de Educación Artística, tienen el agrado de invitar a usted a la inauguración de la exposición colectiva

Viejo Paraná,
intervenciones en el espacio natural

a realizarse el Jueves 3 de Octubre a las 19 horas en Espacio San Isidro.
La muestra permanecerá abierta hasta el viernes 29 de Noviembre de 2013, de Lunes a Viernes de 9 a 19 hs.

San Isidro 560
Santiago Centro,
Chile www.ucsh.cl 

La muestra esta integrada por fotografías y videos que registran los proyectos realizados para el Encuentro de Arte y Naturaleza Viejo Paraná, realizado en el Islote Benito, Victoria, Entre Ríos, Argentina en Marzo de 2013.

Participan: Mariana Brihuega (CABA), Rodrigo Bruna (Santiago,Chile), Isabel Caccia (Río Ceballos, Córdoba), Diana Campos (Victoria, Entre Ríos), Valeria Conte Mac Donell (San Marin de los Andes, Neuquen), Marcelo Federico (Adrogue, Buenos Aires), Gustavo Fernandez (Montevideo, Uruguay), Daniel Fitte (Sierras Bayas, Olavarría, Buenos Aires), Laura Glusman (Rosario, Santa Fe), Karen Macher Nesta (Lima, Peru), Francisco Mateos (Paraná, Entre Ríos), Nilda Rosemberg (Bahia Blanca, Buenos Aires), Irene Serra (CABA)

www.arteinsitu.com.ar

martes, 13 de agosto de 2013

Martha Le Parc - Artista o artesana

                         

(Buenos Aires) 
Entre el 11 de septiembre y el 3 de noviembre la artista argentina Martha Le Parc expondrá tapices y collages en el Museo Nacional de Arte Decorativo.  Martha Le Parc, radicada en Francia desde 1959; ha realizado, entre otras,  exposiciones  de trajes para obras teatrales en las que unió sus conocimientos de pintura y escultura -ya que tiene formación en Bellas Artes-,   y en el año 2000 exposiciones personales en Mendoza y en Córdoba.

Su admiración por las artesanías se manifiesta  en sus obras -ella se considera artesana-, a la vez que dedica  sus trabajos a “esos seres desconocidos, humildes y silenciosos” tan poco reconocidos.
Sintetiza sus sentimientos y puntos de vista sobre el arte y la artesanía tomando  la declaración en 1919 de la Bauhaus,  “el arte no es una profesión, no existe una diferencia esencial entre el artista y el artesano”….
Según Martha Le Parc la artesanía es  “Cultura. Memoria. Huella casi imborrable de un momento, de una vida, de una época,  de una tradición.. Libro de imágenes. Escritura. Sueños imaginarios. Fantasía. Ilustración. Historia. Simbólico y religioso. Recuerdo. Tiempo. Obra única. Figurativo-Abstracto, geométrico, y etc. etc. En la palabra Artesanía está la palabra Arte”-
Fruto de sus manos, utilizando sus términos “instrumentos de mi espíritu”  sus obras son prodigas en intenso y variado colorido; a  partir de la superposición del satén, tafetán, terciopelo se despliegan en grandes tapices, sus diseños rítmicos inspirados en culturas de los pueblos originarios americanos, asiáticos y africanos.
Esta exposición de 19 tapices y 9 collages, en la que convergen el arte moderno y el arte tradicional,  seguramente será un deleite para el público visitante.
Horarios: Martes a domingos 14 a 19hs.
                  Entrada $ 15 Jubilados y menores de 12 años gratis
                  Martes entrada libre

Museo Nacional de Arte Decorativo
Av. del Libertador 1902




jueves, 4 de julio de 2013

Teresa Pereda - Agua que no se detiene



Humus, La piel no calla, 2013, Video instalación para sitio específico
Salón de baile, Museo Nacional de Arte Decorativo
Museo Nacional de Arte Decorativo, Salón de Baile

Proceso de inmersión de papel en  maillín cordillerano
Registro: Laura Viñas


(Buenos Aires)

"¿Quién conoce todos los senderos?
¿Quién conversa sin tener oyentes?
¿Quién conoce todos los secretos?
        "El agua, el río, la laguna"

              Beatriz Pichi Malen
             Canción sagrada de la laguna

(Buenos Aires)

El jueves 4 de julio al mediodía, en una presentación para la prensa e invitados pude ver la  muestra de Teresa Pereda en el Museo Nacional De Arte Decorativo, Agua que no se detiene. Me encantó. La proyección de imágenes en el Salón de Baile  y el sonido que la acompaña y que está tomada de la calle, de canchas de fútbol y otros lugares, ¡emocionante!. Se trata de una Proyección en el Salón de Baile, de video con tomas realizadas en un manantial de la zona cordillerana patagónica que retrata la oposición naturaleza en movimiento/ movimiento urbano.
"Teresa Pereda es poeta, en el sentido amplio que otorgaba Platón a la "poiesis"; acción capaz de llevar lo que no es a lo que es, de lo que parece no tener esencia a lo que verdaderamente es...". Hay instalaciones, proyección de imágenes y sonido, papeles y grandes planchas de acero intervenidas por el agua que fluye en medio de los pastizales de la pampa bonaerense o los mallines de la precordillera neuquina. ...". Estuvieron presentes Teresa Pereda, Lucas Beccar curador de la muestra  y el equipo que trabajó en la obra y el montaje.

"...Dos decenios atrás, Teresa Pereda inició un giro en su programa de trabajo al incluir el material tierra en la realización de sus obras. Partiendo de un conjunto de acontecimientos particularmente generados, emprendió una serie de viajes e itinerarios a lo largo de Argentina y otros territorios solicitando, recolectando e intercambiando tierras e  historias de vida. Iniciaría así un nuevo período en su búsqueda de lo originario y del ser americano...".

"Teresa Pereda convoca y concilia sustancias distintas en un ámbito de cohabitación en armonía. Para entender la profundidad de su gesto es necesario detenerse y observar el acuerdo que discurre secretamente cuando el hombre pone en diálogo el agua y a la tierra. Estas manifestaciones alquímicas se corporizan en imágenes sincréticas que operan en un mismo tiempo simbiótica y conciliatoriamente. En ese proceso de intercambio espontáneo, surgen figuraciones escurridas, drenadas y rastros irregulares. Todo es movido por el agua y los elementos transmutan en imágenes alquímicas...".
Teresa Pereda, artista visual e investigadora, es  Licenciada en Historia de las Artes en la UBA y   Profesora en la Diplomatura Universitaria en Educación Intercultural de la Universidad Nacional de Tres de Febrero.
En el año 1996 , recorriendo la Argentina, inicia la recolección de tierras provenientes de las distintas regiones de nuestro país para comenzar la concreción de una estética que se interesa en el vínculo hombre-tierra. Como consecuencia de estos viajes e investigaciones surgió  la serie  Itinerarios de Cuatro Tierras- instalaciones, libros de artista, pinturas, obras gráficas, objetos- A partir de 2007 sus viajes por América dieron origen a otra serie Recolección – restitución. Citas por América que fuera exhibida en el año 2010 en la exposición conmemorativa del Bicentenario en la Sala Cronopios del  Centro Cultural Recoleta. Ha realizado además, múltiples exposiciones individuales tanto en nuestro país como en el extranjero.
En la actual exposición,  con la curaduría de Lucas Beccar, se exhiben los trabajos producto de  los últimos siete  años de sus  investigaciones y que exploran el solido  vínculo entre el hombre y la  tierra – agua. Es precisamente  este  último elemento-el agua que no se detiene-  el eje primordial de esta muestra que se materializa  en  las diversas obras sobre papel, acero inoxidable, así como también en  videos.
En esta interesante muestra el público visitante podrá apreciar la interpretación y síntesis que hace Teresa Pereda sobre las identidades culturales y de la constante  lucha entre naturaleza y civilización.

Entre el 3 de julio y el 1º de septiembre.

Horarios: Martes a domingos 14 a 19 hs.
                 Entrada $ 10
                 Jubilados y menores de 12 años gratis
                 Martes entrada libre